sexta-feira, janeiro 30, 2009

Meet: Artist Zaina Zahid

Meet: Artist Zaina Zahid
By Bizzie Frost

Zaina Zahid, who is exhibiting her paintings for the first time in a solo exhibition at the Saudi Art Gallery, demonstrated her enthusiasm for drawing and painting at a very early age. “I’ve always loved colors. My first memories of using them were when I was two. I was always tempted to cover any fresh, clean wall with my drawings and my poor parents’ house was covered in them! Every time they’d repaint the house, I remember the pain of withholding myself from coloring over the fresh coats of paint. I always got rid of my temptation by giving into it – I was afraid of suppressing my urge to draw on the wall – I’m sure it was some kind of disorder! I always felt awful for my parents’ sake, but there were priorities!”

From this last comment, it is also apparent that in addition to have a talent for art, Zahid also has a great sense of humor. Now almost 30 years old, Zahid struggles with a problem that most women would envy: she looks much younger than she is. “It is fine if people think I am in my twenties, but I am sometimes mistaken for being a teenager – and that is insulting!” she says laughing.

She grew up in Jeddah, but after a few years at the Jeddah Private School, she left at the age of 12 for boarding school in Surrey, UK. After two years there, she returned to the Menara School in Jeddah to study for her GCSE & “A” levels and then was off abroad again, this time to Switzerland. Her father encouraged her to study art, but she found life difficult at her school in Geneva: “I was the only foreigner in that school and the second of two girls in the class and everybody was introverted. I was used to different types of people in one class and if nobody makes a move in that class of introverts, nobody is going to talk to anyone. It was hard to learn to depend on myself to make that connection for the first time in my life. I also found that the students tended to do as they were told; they didn’t ask questions and there was a huge gap between the student and the teacher.” In her spare time, Zahid worked as a chef’s assistant and learnt all about working long, tough hours. “She was as mad as the wind! She was known as Madam Bulldozer because that is how she behaved!”

Now fluent in French as well as English, she abandoned her art studies and the chef and went on to study English Literature at the American University in London where she enjoyed the broader range of other subjects as well as continuing with her art in lessons once a week. “It wasn’t really a learning process though – it wasn’t something that I hadn’t done myself before, but it was a place and a time that I could designate to myself.”

With color playing such an important role in her life, I wondered how she had found the colors in Europe, and also in Britain, a country frequently associated with a gloomy greyness. “When I was in Switzerland, my favorite season was the Fall because everything was red and orange and yellow, and the canopy of trees … I couldn’t believe it. It was breathtaking – I mean, it literally stopped my breath. It was very therapeutic, very healing and changed me as a person. In Britain, I can’t say which season I like more, but even the air is colored. If people think it is grey, they are not looking at the color. If you leave the city and you look at the air, it is blue; it is a very soft, healing blue and it transports you and I call it “smokable” because I also like to look at colored glass and I look at it against the light. I just breathe in that color and I just keep breathing it in – I call it “smoking color” – inhaling colors.”

In her work, Zahid is inspired by architecture. “I love the way the shapes change as you move around. When you look at a structure, it looks a certain way when you are standing still, but when you are moving, it is like music, it keeps changing.”

She particularly admires the impressionist and romantic artists, and generally all the classic painters. “But I don’t like Picasso! And Van Gogh’s paintings don’t speak to me either. There are fantasy artists these days who are really good, especially James Gurney. He did a book called ‘Dinotopia’; I love the way he works with colors, and imagination and fantasy. In this exhibition, I have tried to be realistic, but toward the end, it turned into semi-fantasy.”

Having seen her painting of a girl wearing a veil and looking down from a balcony, I wondered if she used symbolism in her work. “No, that is not symbolic,” she said. She explained that the painting is simply a snapshot of a historic moment of the story about Quais and Layla, also known as Layla and Madjnun – it is one of the great love story legends that appears in both Persian and Arab literature. Quais wrote many poems about Layla, although the legend is all the more intriguing because the actual author of the poems remains a mystery. Both eventually die of despair and broken hearts. “My painting is called ‘The Absence of Quais’.”

Zahid is convinced that colors have the power to heal. “I think that it is very natural and it is so obvious, but nobody notices. I mean, take the sky as an example. It is blue. And the trees are green. Why do people feel good when they are out there looking at these things? They are healing colors and give you such positive energy. When I look at colored glass against the light, I feel loads of different things in different parts of my body. If I feel hurt and broken, for example, if I look through a rose colored glass, it makes me feel better.” Perhaps the allegory of seeing the world through “rose colored glasses” is not a myth after all!Because of her own childish passion for drawing on walls, Zahid has great sympathy for graffiti artists. “When I first saw graffiti in Switzerland, I knew that they weren’t guilty because I knew that they weren’t trying to be destructive. I can understand the overwhelming desire to put something onto a blank wall! And they do such a good job, it is colorful and some of it is beautiful.”

It is ambitious for a virtually untrained artist to launch her work for the first time in a solo exhibition. Zahid works with oil paint, and has 24 paintings in the exhibition which is entitled “Days of Old”. It opens at the Saudi Art Center on 1st February and runs until 7th February. The Saudi Art Center is located behind Chamelle, near the Riyad Bank, in Arafat Street. Zahid’s paintings are for sale.

– SG
FONTE: Saudi Gazette - Riyadh,Saudi Arabia

terça-feira, janeiro 27, 2009

De Brasil, nuevo jurado del Premio Casa de las Américas

De Brasil, nuevo jurado del Premio Casa de las Américas
26 de Enero de 2009, 2:25 p.m.
Cienfuegos, Cuba.- La nómina en Literatura Brasileña del Jurado de la Edición 50 del Premio Casa de las Américas se completó con el poeta, ensayista y traductor Floriano Martins (Brasil, 1957) quien tiene publicados más de una decena de libros de poesía, ensayos y narrativa.
El Jurado lo integran casi una veintena de prestigiosos intelectuales dados a conocer en esta página, en los géneros además de la Literatura Brasileña, la Literatura para niños y jóvenes y la Literatura Testimonial, Novela y el Premio Extraordinario “Latinos en los Estados Unidos”
Quedará constituido el 2 de febrero a las 11:00 a.m. en la Sala che Guevara, de La Habana y el propio día se trasladará a la ciudad de Cienfuegos, La Perla del Sur, a unos 250 kilómetros de la capital, en el centro sur de la Mayor de las Antillas, donde leerán en el Hotel Jagua, las más de cuatrocientas obras concursantes.
La Casa por Cuba

Casa de las Américas se mueve por el país e inició por Santiago de Cuba una experiencia de la Dirección de Teatro y según el Boletín Electrónico “Ventana” abarcará también a la Isla de la Juventud y Camagüey mediante el puente denominado “Escena Latinoamérica actual de la Casa a la Casa” en coordinación con las casas del Joven Creador y la Asociación Hermanos Saíz.
Llevaron a Santiago este fin de semana, del 23 al 25 de enero una muestra de espectáculos en vídeo referidos principalmente a la edición de Mayo Teatral, 2008; una superproducción brasileña “La misa de los quilombos” unido a la presentación del No. 147 de la revista Conjunto y del libro Tres obras, de Arístides Vargas, entre otros.
FONTE (imagem incluída): Radio Rebelde - Cuba

Kodokan organiseert Witte Banden Toernooi

Kodokan organiseert Witte Banden Toernooi
27 januari 2009
PURMEREND - Kodokan heeft zondag 25 januari weer het jaarlijkse Witte banden Toernooi voor beginnende judoka’s georganiseerd. Met zo’n 130 deelnemers en het in grote getale toegestroomde publiek heerste er in de dojo een ontspannen sfeer gedurende de hele dag. Een delegatie van andere Kodokanners was aanwezig op wedstrijden elders in het land.
Circa 130 kinderen van 12 verschillende clubs uit Noord-Holland kwamen zondagochtend- en middag in actie. In poules werd er de hele dag door iedereen enthousiast gejudood onder aanmoediging van coaches, ouders en andere familieleden!

Emoties wisselden elkaar in rap tempo af. Blije gezichten na winst, maar soms ook een traan van teleurstelling na verlies. Gelukkig was er voor iedereen na afloop een beker. Voor Kodokan wisten er 18 judoka’s het erepodium te bereiken.

Op de eerste plaats zijn voor Kodokan geëindigd : Tygo Hexspoor, Vieira Jamer, Rick Kramer, Mitchel Moerman, Rens Papadopoulos, Tyrza Remkes, Jesse Streur. Op de tweede plaats eindigden : Timo de Boer, Dylan Justin Kwant, Mitchel Kat, Naomi Mol, Machiel Nierop, Pepijn Spaans. Een derde plaats was er voor : Melle Bruistens, Lesley v. Dungen, Wesley v.d. Engh, Justin Spaans, Naomi v. Waardenburg, Mandy v.d Wardt en Saskia Verhaart vertegenwoordigden Kodokan op het Girls-Only toernooi in Alkmaar, Mandy v.d Wardt keerde huiswaarts met de eerste prijs en Saskia Verhaart behaalde een tweede prijs.

Bij het 22 Breedtesporttoernooi in Groesbeek werden voor Kodokan ook een aantal prijzen verdiend. Dylan Witte eindigde op de eerste plaats. Op de tweede plaats stonden : Owen van Braam, Bryan Nap en Wesley Witte. De broers Floris en Tobias Baas behaalden eensgezind een derde plaats.

FONTE (foto incluída): - Waterland - Purmerend, Netherlands

FOTO: Kodokan organiseert Witte Banden Toernooi

Philosophes de garage

Philosophes de garage

Mots clés : philosophes, graffiteur, Reuben Peter-Finley, Culture, Québec (province)

Pour orner ses portes de garage constamment maculées de «tags», un couple de Québec a fait appel à un ancien graffiteur, Reuben Peter-Finley, qui y a peint les visages de quatre grands philosophes du XXe siècle: Camus, Weil, Rawls, Arendt. Ces penseurs qui intriguent les passants sont une belle énigme colorée au coeur du quartier Montcalm. Une oeuvre non dénuée de message politique.

Québec -- On a beau «imaginer Sisyphe heureux», comme l'a proposé Albert Camus, faire effacer un graffiti un jour pour recommencer deux semaines plus tard, ça ne plaisait pas du tout à Jean-François Bieler et Jacinthe Côté, propriétaires d'un garage attenant à leur maison, angle Fraser et Salaberry, dans le quartier Montcalm de Québec. Leurs quatre belles portes de garage jaune sable avaient quelque chose d'irrésistible, semble-t-il, pour les tagueurs qui y voyaient un canevas de choix.
Ils ont décidé de combattre «le feu par le feu»; la bombe aérosol par la bombe aérosol, le crayon par le crayon. Grâce à l'entreprise qui efface des tags, ils ont été mis en contact avec la Maison Dauphine, organisme communautaire du Vieux-Québec qui «accueille inconditionnellement les jeunes de la rue de 12 à 22 ans». Celle-ci suggère alors une rencontre avec Reuben Peter-Finley, artiste dans la mi-vingtaine, né à Québec, ancien graffiteur. «J'en ai fait du dommage, ouf!», confie-t-il. Il était alors chargé de projet à la Maison Dauphine. «Je m'occupais des jeunes vandales!» Dans ce cadre, il avait par exemple organisé, au mois d'août, avec l'appui de la Caisse pop et d'une conseillère municipale, une Convention de graffitis, à deux pas de là, angle Cartier et René-Lévesque, où 23 graffiteurs ont orné un grand mur aveugle de plus de 280 mètres carrés.
Des canneberges à la philo
Revenons aux portes de garage de la rue Fraser. Que pouvait-on bien y dessiner? «Ça nous prenait quelque chose qui occuperait tout l'espace. Mais on se disait: "On ne va pas mettre n'importe quoi non plus". Et on ne voulait pas que ce soit "l'art pour l'art"», raconte M. Bieler. Des images de canneberges? Ça aurait bien pu être un choix puisque Jean-François Bieler est directeur général des entreprises Atoka, célèbre grand producteur et transformateur de canneberges de Manseau, sur la rive-sud, à quelque 100 km de Québec. Jacinthe Côté, elle, est nutritionniste.
«On voulait quelque chose de significatif, qui nous allume», explique Jean-François. Or ce dernier avait amorcé, il y a quelques années, une maîtrise en philosophie politique à l'UQAM avant d'aller travailler pour l'entreprise familiale (dont son père Marc est le président-fondateur). «J'avais vraiment la piqûre de la philo. Ce n'est que partie remise, j'imagine.» Reuben Peter-Finley, lui, se passionne pour les visages d'écrivains. Les «mécènes» et l'artiste se donnent quelques semaines pour discuter du projet.
«On a finalement décidé d'opter pour des visages de philosophes, mais contemporains.» On respecte l'équilibre des sexes, deux hommes, deux femmes: Albert Camus (1913-1960), Simone Weil (1909-1943), John Rawls (1921-2002), Hannah Arendt (1906-1975).
Reuben, à la fin de l'automne, se met à l'oeuvre. Il consacre environ deux jours à chaque visage et «un peu plus de trois fins de semaine» en tout. On décide de ne pas indiquer le nom des philosophes. De garder l'énigme. Avec pour seul indice une phrase célèbre de chacun, intégrée au visage. Pour Camus, que Reuben représente cigarette au bec, dans des tons ocres, c'est «l'absurde, c'est la raison lucide qui constate ses limites». La phrase de Weil au visage rose et mauve est sombre comme sa pensée: «L'histoire humaine n'est que l'histoire de l'asservissement.» Le philosophe américain Rawls, ici en tons de vert, est cité en anglais: «Each person possesses an inviolability founded on justice that even the welfare of society as a whole cannot override.»
Quand Arendt répond à Jeff Fillion
Sous l'oeil d'Hannah Arendt, on peut lire une phrase que Jean-François Bieler trouvait particulièrement de mise à Québec: «La liberté d'opinion est une farce si l'information sur les faits n'est pas garantie et si ce ne sont pas les faits eux-mêmes qui font l'objet du débat.» Arendt se trouve à répondre ainsi au slogan «Liberté, je crie ton nom partout»! de la Radio X, où Jeff Fillion sévissait. «La liberté d'expression à tout prix, moi je n'y crois pas du tout. La citation d'Arendt reflétait vraiment l'importance de discuter des faits d'abord et avant tout», explique Jean-François Bieler.
(Ajoutons que le slogan de Radio X était une déformation d'une phrase d'Éluard. En 2004, le professeur de philosophie politique de l'Université Laval, Jacques Zylberberg, qui s'était porté à la défense de la station de radio lance, lors d'une audience du CRTC: «Liberté! J'écris ton nom sur toutes les ondes de radio et de télévision. Liberté! J'écris ton nom dans tous mes éditoriaux. Et aucune commission administrative en temps de paix ne doit supprimer le droit de cette liberté.» Zylberberg paraphrasait Paul Éluard. Les supporters de Jeff Fillion n'en savaient rien et entendirent «Liberté! Je crie ton nom». D'où leur slogan, devenu un autocollant très prisé dans la région de Québec. Mais il y avait erreur. Liberté, «j'écris»... et non «je crie»!)
Reuben s'est plongé dans l'oeuvre des auteurs qu'il a peints. Il préfère Camus, qu'il connaissait déjà. «Simone Weil m'a un peu donné mal à la tête! Rawls? Il m'a donné bien du mal.» Il n'a pas étudié en arts visuels, mais dit avoir développé une technique particulière dans la rue. Ce qu'il fait? Du «street art» ou encore du «post-graffiti». «Mais ne me demande pas de te parler de démarche artistique, je déteste ça.» Il travaille avec l'aérosol, des crayons, de l'acrylique, la plupart du temps avec les doigts. Une résidante de la rue Fraser, Andréanne Poulin, l'a vu faire ses portraits. Ils ont fraternisé. Admirative, elle lance, alors que Reuben posait difficilement pour la photographe: «Faire ça avec un spray... ça m'a tellement impressionnée.»
Reuben n'aime pas qu'on note qu'il a déjà travaillé comme mannequin... ce que nous révèle Google. «Bah, c'est pas un métier. Mais ça a déjà arrondi mes fins de mois.» Il étudie actuellement en marketing aux HEC, vit entre Québec et Montréal. Plus important pour lui: il a participé, avec des amis graffiteurs, à la naissance de la Galerie Morgan Bridge, dans Saint-Roch. Actuellement, il travaille fort en vue du vernissage, jeudi, de son exposition Deuxième lecture, à la bibliothèque Saint-Jean-Baptiste, où il exposera huit grands portraits d'écrivains: Colette, George Sand, Louis-Ferdinand Céline, Jean-Paul Sartre, Kafka, Charles Bukowski, Antoine de Saint-Exupéry et Gabrielle Roy. Ses oeuvres sont exposées à compter d'aujourd'hui jusqu'au 2 mars.
Quant à celles qui se trouvent rue Fraser, elles sont là pour un bout de temps, on l'espère. (En tout cas, elles ornent, sur le site du Devoir, la page où sont réunis la quasi-totalité de nos «Devoirs de philo»:
Le 1er février à 14h, Reuben Peter-Finley rencontrera le public à la bibliothèque Saint-Jean Baptiste, 755, rue Saint-Jean, Québec.
Le Devoir

Vos réactions

Sus à la rue ! - par Claude L'Heureux ( Le mardi 27 janvier 2009 09:00 Murales urbaines - par Patricia Barthélémy Le mardi 27 janvier 2009 07:00
Rebaptiser le monde. - par Brun Bernard Le mardi 27 janvier 2009 05:00
FONTE (foto incluída): Le Devoir (Abonnement) - Montréal,Québec,Canada

1943: Nazistas fecham o jornal "Frankfurter Zeitung"

Calendário Histórico
1943: Nazistas fecham o jornal "Frankfurter Zeitung"

Em 31 de agosto de 1943, o jornal "Frankfurter Zeitung", cuja relativa independência era tolerada para dar um tom liberal ao regime de Hitler, foi fechado pelos nazistas.

A última edição do jornal Frankfurter Zeitung foi publicada em 31 de agosto de 1943, quando o órgão que dava um tom liberal ao regime nazista foi proibido de circular por ordem pessoal do ministro da propaganda Joseph Goebbels. O jornal econômico republicano-liberal da era Bismark teve de parar as rotativas depois de dez anos de atividade sob o emblema oficial do partido nazista e do Terceiro Reich.
O Frankfurter, como era carinhosamente chamado pelos leitores, fora o diário de maior destaque da República de Weimar e era um incômodo constante para os nazistas. Tanto mais surpreendeu o fato de que ele continuara circulando depois de 1933.
Fritz Sänger, à época correspondente em Berlim e depois de 1945 diretor da agência de notícias dpa, lembra que durante o nazismo toda a imprensa alemã foi amordaçada. Uma exceção era o Frankfurter Zeitung que, ao lado de alguns outros jornais, tentou combater o regime. Hitler acreditava que esses jornais serviriam de cartão de visita do nazismo no plano internacional.
Independência tolerada – O alinhamento da imprensa alemã com o nazismo, portanto, não era total, como freqüentemente se afirma. Goebbels tolerava uma certa independência do Fankfurter Zeitung para tornar o nazismo socialmente aceitável nos meios burgueses. O ministro da Propaganda esperava que a circulação do jornal servisse de prova da liberalidade do regime no exterior.
O alto nível dos artigos publicados pelo jornal era garantido por exemplo por autores como o futuro presidente da Alemanha, Theodor Heuss, e os publicistas Walter Dirks, Karl Korn e Dolf Sternberger. No caderno de cultura escreviam esquerdistas-liberais como Walter Benjamin, Ernst Bloch, Hermann Hesse ou Siegfried Kracauer.
Segundo Fritz Sänger, praticamente não ocorreram mudanças na equipe de redatores após a tomada do poder pelos nazistas. "Alguns, porém, foram demitidos, porque eram judeus. Outros foram embora. Vieram alguns novos, mas em apenas um caso foi desmascarado um membro do partido nazista, que logo sumiu. A redação, portanto, era um círculo fechado em que não ocorriam traições."
Os redatores do Frankfurter, no entanto, aceitaram passivamente a demissão dos colegas judeus e a faxina étnica na empresa. Como órgão de oposição, o jornal oscilava entre o oportunismo e uma certa autonomia. Com o início da Segunda Guerra Mundial, em 1939, a redação começou a silenciar.
Refúgio intelectual – Conteúdos subversivos somente eram publicados pelo folhetim num estilo de linguagem bem diferente do anti-semitismo vulgar de um observador popular e serviam de refúgio intelectual para os leitores não nazistas. Segundo Dolf Sternberger, à época redator do Frankfurter Zeitung, apesar de usar uma série de malabarismos para escapar da censura, a direção do jornal foi obrigada a fazer concessões humilhantes ao nazismo.
Alguns jornalistas do Frankfurter até mesmo fortaleceram o regime com seu trabalho. Uma das versões correntes sobre a causa do fechamento do jornal foi a publicação de um artigo criticando as obras de Paul Ludwig Troost, um dos arquitetos preferidos de Hitler.
Outra versão é um artigo publicado em 23 de março de 1943 e que apresentou o co-fundador do movimento nazista, Dietrich Eckart, mentor de Hitler e criador do slogan "Acorda Alemanha!", como indivíduo sem caráter e classificou sua obra literária como um amontoado de frases. Mencionou também que Eckart era um dependente de morfina.
Algumas semanas depois, o jornal foi proibido de circular, mas não em função da publicação do perfil de Eckart e, sim, devido aos paralelos que traçou com o morfinismo de Hermann Göring. Oficialmente, o regime alegou que o fechamento do jornal devia-se à medidas de economia de guerra.
Na realidade, o papel representativo do Frankfurter Zeitung para o exterior havia se esgotado em 31 de agosto de 1943. O comportamento da Alemanha na Segunda Guerra Mundial e os horrores de Auschwitz dispensavam qualquer tentativa de vender uma imagem liberal do regime nazista.

Michael Marek (gh)
FONTE: DW-World Brazil - Berlin,Germany

IMAGEM INCLUÍDA: Logotipo do 'Frankfurter Allgemeine Zeitung', sucessor do jornal fechado em 1943

What is reality?

What is reality?

In the entry, “Was ist Realität?” (“What is reality?”) in Zeit Wissen — which I referred to in my last post — Ulrich Schnabel begins with a sentence consisting of scrambled words, which, when unscrambled (something one does intuitively, automatically), makes sense, even if in their scrambled state they do (or should) not. For instance: Hewn oyu rdea sthi, ti owuld kema esnes. (When you read this, it would make sense.) Schnabel points out that such reading experiments demonstrate, according to linguist Graham Rawlinson, that humans “understand” written texts even when they have been deliberately subjected to obfuscation. This, in turn, demonstrates that our understanding is, to a very large degree, dependent on, or conditioned by, our “pre-understanding” — to a large extent, we see what we believe on the basis of previous “knowledge”. (I put a number of words in scare quotes here because of the fact that, as concepts, they do not denote anything that is unanimously agreed upon.)
This raises the question, of course, whether humans could ever expect to “know” the world, or “reality”, as it “really” is. Many thinkers, including Descartes, have pointed out that, at least at a sensory level, our “pragmatic” knowledge of the world — what we understand it to be in relation to what we need to survive (what is life-promoting and what is harmful) — should not be confused with what the world “really” (or “essentially”) is. This consideration, incidentally, does not imply that what we know of the world around us is merely “subjective” either. Where there is a subject, there is an object — the terms are correlative.
But what about science? Does that not render an “objective view” of reality? Some people may be disconcerted to learn that what 20th-century theoretical physics teaches us is largely a corroboration of what the 18th-century Enlightenment-philosopher, Immanuel Kant, argued, namely that subjectivity is a precondition for objectivity. In other words, humans as perceiving, thinking subjects, “structure” (note: not create) what is given in space and time intelligibly by means of formal “categories” of reason. The result of such structuring is what we know as “reality” — strictly speaking, “human reality”– and the upshot of this is that, what “reality” is outside of the structuring function of human faculties, we could never know. (As the Afrikaans poet, Opperman, remarked: “We cannot see through the eye of a horse”.) This “outside” was referred to by Kant as the “Ding an sich”, or “Thing-in-itself”, and it must, for Kant, remain of necessity a mere object of thought, as opposed to an object of perception (perceptual knowledge). We can think it, but we cannot know it.
If this sounds like idealist rubbish, don’t be too quick in rejecting it. In fact, Kant’s epistemology is called “transcendental idealism”, which merely means that there are certain “a priori” (experience-independent) forms of reason that function as “conditions of the possibility” of something else — in this case the world of the senses. To put it rather cryptically, for Kant, “transcendental idealism” is the flipside of “empirical realism” — the former explains how our experience of the world as something “real” is possible.
So how does 20th-century science, broadly, confirm Kant’s epistemology (theory of knowledge)? In both quantum mechanics and relativity physics one finds the insight, experimentally confirmed, that humans alter the way that “reality” appears to them by the very fact that they enter into a perceptual relationship with it. In relativity physics, for example, Einstein claimed that every attempt to measure time is dependent on the movement of the observer and in quantum mechanics (even more clearly a corroboration of Kant’s view, albeit in different terms), Heisenberg’s indeterminacy principle (that the speed and position of an electron around the nucleus of an atom cannot be measured simultaneously) has the implication that, by entering into a relation with “reality”, one changes it. Or, more radically stated: what we call “reality” is nothing independent from (or of) us as perceivers, but is a function of the (perceptual, epistemic) interaction between human observers and “something” (Kant’s Ding an sich, and in a certain sense — because there are differences between them — what Jacques Lacan calls the “real”, which is not synonymous with “reality”).
Another confirmation that everyday experiential “reality” (the so-called “life-world”), which we intuitively, for pragmatic reasons, assume to be “the same” for everyone, may not “really” be what it seems — although everyday knowledge of it is quite adequate for keeping appointments with one another in identifiable places, and so on — also comes from theoretical physics. Imagine taking seriously the scientific claim that atoms, which make up the “physical” world, consist mainly (99%) of empty space and that what we call “matter” is only a function of the energy fields generated by invisible nuclear and sub-nuclear events, movements, and so on. For one thing, one would not sit down on a chair without some trepidation.
In other words, “reality” — or, to put it in technical philosophical language, the ontological underpinnings of observable, “everyday reality” — is nothing observable. No one has ever seen an electron “itself” (and it seems to me that it is in principle and, not only empirically, impossible to be seen) — it is a theoretical construct posited on the basis of certain experimentally observed “events”, dependent on the functioning of various kinds of highly sophisticated apparatus.
And then, at this point, the question of questions crops up — already considered by Heraclitus, Parmenides, Plato and Aristotle in Ancient Greece — if perception or observation is so unreliable concerning the “true” nature of “reality”, is it at all “physical”, as most people seem to assume in everyday experience? Isn’t it rather, as Plato thought, of the order of ideas (the Platonic Forms), with material things only borrowing whatever reality they have from such ideas? Or is it, in a certain, restricted sense, material by nature, but existing in conjunction with ideas or forms, as Aristotle taught? Or is “reality” so multifarious, ontologically speaking, that one, or even two, “basic” categories cannot do justice to its pluralistic “nature” (as Nicolai Hartmann believed)? Whatever the answers to these questions may be, in anyone’s mind, one should not fool oneself by believing that a conclusive answer will ‘”ever” be available to humankind. I hope these brief thoughts will disabuse readers of the belief that simple, unambiguous answers can be given to the question: What is reality?
FONTE: Thought Leader - Johannesburg,South Africa

Es Gerard de Nerval un pilar de la literatura moderna

Es Gerard de Nerval un pilar de la literatura moderna

Cultura - Domingo 25 de enero (19:50 hrs.)
Escribió un clásico de nuestro tiempo pero murió sin reconocimiento
Fue el más esencialmente romántico de todos los poetas franceses
El Financiero en línea
México, 25 de enero.- Aunque Gerard de Nerval no conoció en vida el éxito, su obra influyó decisivamente en el surrealismo y está considerada como uno de los pilares fundacionales de la literatura moderna.
Murió el 26 de enero de 1855, tras colgarse de una farola, en París, pero dejó para la posteridad obras como "Aurelia", al cual los críticos han denominado un gran clásico de nuestro tiempo y la primera mirada moderna a la locura.
Gerard de Nerval era el pseudónimo literario del poeta, ensayista y traductor francés Gerard Labrunie, y fue el más esencialmente romántico de todos los poetas franceses.
Nació el 22 de mayo de 1808 y pronto sufrió su primer gran golpe, cuando su madre Marie Antoniette Marguerite Laurent murió de meningitis mientras acompañaba a su marido Ettiene, un doctor al servicio de la milicia francesa, lo cual marcó su vida y su posterior obra.
Cuentan sus biógrafos que Gerard fue entonces educado por su tío abuelo en la campiña de Valois hasta 1814, cuando fue enviado a París. De las visitas que hacía en vacaciones surgió "Canciones y leyendas de Valois".
Entre 1826 y 1827 tradujo la obra trágica Fausto, de Goethe, lo cual lo llevó a conocer a Friederich Schiller, y los poemas de Henrich Heine. También trabajó como periodista, aprendiz de imprenta y ayudante de notario.
Escribió varias obras dramáticas en colaboración con Alexandre Dumas, además de ser gran amigo de Víctor Hugo y de Theopile Gautier, con el cual se reunía en el "Club de los hechiceros".
Se sabe que fue en 1833 cuando se enamoró de la actriz y cantante Jenny Colon, a quien le dedicó un culto idólatra. Su muerte prematura en 1842, a los 34 años, dejó gravemente transtornado a Nerval, quien entonces viajó por Oriente, donde se apasionó por la cultura turca. En Siria estuvo a punto de casarse con la hija de un jeque y en Beirut se enamoró de una muchacha rusa de nombre Salerna. E
El Cairo, compró una esclava javanesa. Su salud ya se veía deteriorada. Nerval fue una figura de la bohemia parisima donde se le consideraba una persona extravagante, como partido en dos: la realidad y la fantasía, lo cual se reflejaba en la continua tensión de contrarios que expresaba en su obra. Después viajó por Europa, y en Inglaterra conoció a Charles Dickens.
Gerard de Nerval fue durante toda su vida un espíritu atormentado que en los últimos años de su vida, los más fecundos, sufrió graves trastornos nerviosos.
Trastorno bipolar, sonambulismo y esquizofrenia, fueron algunos de los padecimientos que le diagnosticaron y que lo llevaron a temporadas en varios hospitales psiquiátricos, donde, lejos de curarse, aumentaba su locura leyendo libros de ocultismo, cábala y magia, pero también escribiendo relatos.
Estos sucesos, unidos a sus problemas económicos, lo llevaron a suicidarse el 26 de enero de 1855, ahorcándose de una farola, en París.
Ese trágico evento inspiró una litografía de Gustave Doré, quizás la mejor de su obra. Nerval está enterrado en el famoso cementerio parisino de Pere-Lachaise.
(Con información de Notimex/TPC)
FONTE: El Financiero (México) - Mexico

terça-feira, janeiro 20, 2009

Morreu Prémio Nobel da Literatura 2005

Literatura Morreu Prémio Nobel da Literatura

2005 25/12/08 17:06 CET

Morreu Harold Pinter, Prémio Nobel da Literatura em 2005. O dramaturgo britânico de 78 anos morreu na véspera de Natal, vítima de um cancro no fígado. Pinter começou por ser actor e em 1957 escreveu a primeira peça, The Room. Encenou e representou em algumas das mais de trinta peças que criou, obras traduzidas e apresentadas em todo o mundo. Entre as mais famosas estão Velhos Tempos, Festa de Aniversário e O Porteiro. Escreveu também para rádio, televisão e cinema. Há alguns anos, Harold Pinter decidiu abandonar a criação artística, para poder criticar, a tempo inteiro, a forma preocupante de actuar dos governantes. A Guerra do Iraque, em que o Reino Unido seguiu os Estados Unidos, mereceu algumas das críticas mais ácidas. Chamou ao ex-primeiro-ministro britânico, Tony Blair, “criminoso de guerra” e disse que os Estados Unidos eram dirigidos por “um bando de criminosos”.

FONTE (imagem incluída): euronews - Lyon,France

Jean-Marie Kerwich , le Gitan choisi par la poésie

26/12/2008 17:00
Jean-Marie Kerwich , le Gitan choisi par la poésie

Enfant de la route grâce aux rencontres qu’il y a faites, il voit sa poésie aujourd’hui reconnue et vient de publier « L’Évangile du Gitan ». Il parle de ses galères mais aussi de ceux, amis ou miséreux, qui lui ont tendu la main
Il confie toujours la même chose : « Je suis habité par un poète. » Et il dit vrai. Ses textes – des notes ténues et lumineuses plus que des poèmes – irradient le cœur. Parfois, Jean-Marie Kerwich semble pourtant tellement à bout de force qu’on se demande s’il pourra continuer encore longtemps à regarder son âme « s’attabler » avant d’écrire sur la feuille blanche.

Mais il continue. Avec sa guitare aux cordes usées qui l’aide à oublier son tourment, l’écriture est sa manière de « faire le bien », « d’aider son prochain », et lui donne « une vraie raison d’exister ». Une consolation aussi. Un pansement sur ses blessures toujours vives.
"La musique, c'est du pain qui sort des cordes"

Drôle de vie et drôle d’histoire. Il en est le premier surpris. Il raconte que son aïeul, Stanislas, est arrivé à cheval de Hongrie en 1786, a vécu en France, puis en Algérie où il a volé des linceuls pour les coudre et en faire un chapiteau.

Après lui, la famille a poursuivi le voyage. Lui est né à Paris, a vécu dans une verdine à Aubervilliers, puis à Clichy. Ses parents, amis de Django Reinhardt, présentaient des chiens savants dans les cinémas ou sur les places publiques.

Parfois, son père battait sa mère, ou le frappait lui, pour qu’il apprenne à jongler, à sauter ou à jouer de la guitare, « parce que la musique c’est du pain qui sort des cordes ». Jean-Marie Kerwich évoque ensuite le départ aux États-Unis, suivi d’un long séjour au Canada.

Un pays de neige et de solitude où il a découvert « la force de la poésie » au contact des tribus indiennes et dont il garde pour toujours la nostalgie. Il en est revenu avec le rêve de vivre de « petits riens qui enchantent le cœur » et de « caresser les doux cheveux du silence ».
Sa rencontre avec la littérature

Il a parcouru l’Europe. Vêtu de son vieux pantalon et de ses bottes gitanes à talons hauts, il a craché le feu et jonglé dans des cirques ou des cabarets sordides, servi dans des restaurants, est devenu gardien d’immeuble. Enfant, il se voyait bien médecin ou boulanger.

Aujourd’hui il est agent de sécurité à Rueil-Malmaison. Il a une guérite sur un quai de livraisons, « un poste d’observation unique ». C’est là qu’il s’est senti poussé par le ciel ou par son inconscient à écrire L’Évangile du Gitan.

Enfant, il ne fréquentait pas les livres. « Je lisais plutôt dans le regard des choses qui m’entouraient, explique-t-il. Je savais quand une fleur s’ennuyait ou quand un caillou avait besoin de réconfort. L’humanité, je la trouvais dans tout ce qui souffre et vit. »

Sa rencontre avec l’écriture remonte à ses 12 ans. Un enseignant de l’école Saint-Jean-Marie-Vianney de Montréal avait demandé à ses élèves d’écrire un texte. Le « dernier de la classe », qui marchait en évitant les feuilles mortes « de peur de blesser leur doux sourire immortel » leur avait consacré quelques lignes.
Il évoque avec tendresse ses frères humains

À l’époque, le jeune Gitan ne savait pas que c’était un poème. Et le directeur de l’école avait eu des doutes sur son auteur. Mais ces lignes-là ont changé sa vie.

Peu à peu, il a saisi ce qu’était la poésie, en comparant les textes des chansons de Brel ou de Brassens qu’il aimait à ceux de Rimbaud, Baudelaire et, plus tard, de Halladj, mystique musulman, ou du poète indien Kabir.

Et il a continué d’écrire, sans se soucier des fautes, des instantanés de joie jaillis de la nature qui, malgré l’agressivité que les hommes lui témoignent, continue à chanter et à prier, et auprès de laquelle il trouve un réconfort sans limite.

Avec lui, les fleurs sont les « derniers êtres à savoir pardonner car elles repoussent toujours », la neige amoureuse « se laisse fondre entre les bras d’un rocher », le vent « peut se mettre à chanter comme un Gitan », la pluie « donne son sang de cristal pour faire pousser les fleurs ». Le regard tourné vers le ciel qui ouvre son éternité à qui sait le scruter, il fait ainsi entendre « ce que la plupart des hommes ne voient pas », avec l’insistance que seul l’espoir sait provoquer.

Il évoque aussi avec des mots pleins de tendresse ses frères humains, les prostituées qui l’ont aidé et les femmes mûres qui l’ont entretenu, le vieux clochard qui parle tout seul, l’éboueur qui ne se plaint pas de son sort, l’ouvrier dont il ne connaît pas le nom et qui lui donne un morceau de pain, et tous ceux qui ont des mains de miséreux car « c’est à ces mains-là que le ciel tend les siennes ».
Son expérience avec le cirque Bouglione

Et puis, parce que son âme se sent souvent « exténuée de désolation », il dénonce au détour de quelques phrases tranchantes le monde « qui s’est vendu au malin », le progrès « qui détruit l’essentiel de la vie », et tous ceux – la majorité – « qui suivent les modes et les faux prophètes », ainsi que les écrivains « qui posent pour leur gloire » et les faux poètes qui « poétisent sans connaître le vrai sens des mots ».

« Moi, je n’ai jamais écrit assis sur du velours et avec une paire de lunettes rondes, explique-t-il, partagé entre colère et lassitude. Tout ce que j’ai écrit, je l’ai écrit dans des situations difficiles et pénibles, assis sur une caisse en bois ou des cailloux, une botte de paille. J’ai toujours écrit dans la vérité. Je ne crois pas aux œuvres qui évacueraient une certaine souffrance. Ce qui n’exclut pas la joie de la création, du bonheur d’avoir écrit. »

Comment ses textes ont-ils fini par rejoindre le lecteur ? « Une bête étrange qui d’ordinaire mendie ou vole et qui soudain écrit, c’est très surprenant pour les lettrés », concède Jean-Marie Kerwich .

Après un silence, il raconte avec gratitude comment un jour il a rejoint le cirque d’Alexandre Bouglione. Comment il a fait connaissance de sa femme d’alors, l’écrivain poète Lydie Dattas. Comment celle-ci, éblouie par son écriture « qui ne lui fut pas enseignée par les hommes mais par le ciel », l’a mis en contact avec Jean Grosjean qui comparait L’Ange qui boite aux prières de François d’Assise, puis avec Christian Bobin, qui a préfacé L’Évangile du Gitan.

Il explique aussi comment le violoniste Yehudi Menuhin, qui l’a depuis impliqué dans sa Fondation, était venu le voir un soir au cirque Romanes et pourquoi il ne l’avait pas salué : « On m’avait dit qu’il récitait chaque jour l’un de mes poèmes des Jours simples. Je jouais le clown. J’ai eu honte. Je suis parti sans le rencontrer. »
Ses projets de romans

Aujourd’hui, il aimerait encore mener à bien deux romans. Dans l’un d’eux, les anges écouteront les humains. Après quoi, dit-il, il réapprendra « à ne pas savoir écrire », car cette vie d’écriture ne fait pas partie de sa condition de nomade.

« L’encre dans mes veines perd sa force, les roues de mon cœur sont usées », écrit-il dans L’Évangile du Gitan. « Je ne veux plus connaître Jean-Marie Kerwich , car c’est un homme à qui j’ai trop donné », confirme-t-il étrangement, comme si deux êtres cohabitaient en lui.

Puis il se ressaisit et tente, avec un grand souci de vérité, de faire comprendre ce qui le trouble et, peut-être, le consume : « Quelqu’un s’est installé en moi, dit-il. C’est lui qui dans ma misère m’a appris à écrire. Mais ce Dieu qui vous demande de faire passer le message ne vous épargne pas de quoi que ce soit. La souffrance a un prix, c’est celui de la bonté. Dans tout ce que je subis, je me dis parfois que je mériterais un peu de paix. La seule satisfaction que j’ai, c’est d’avoir été choisi pour exercer ce don de l’écriture. Le Christ nous dit que notre souffrance sert à quelque chose. Peut-être que j’aurai une paillasse au ciel ! »

Impossible néanmoins de dire de Jean-Marie Kerwich qu’il est un croyant, un homme de foi. Lui-même ne s’y retrouverait pas. Il préfère se définir comme « l’ami du Messie » qu’il porte sur ses épaules parce qu’il ne peut « quand même pas laisser choir ce Messie au bord du chemin », ou « l’abandonner comme son père l’a abandonné ».
Sa rencontre avec l'Evangile

D’ailleurs, précise-t-il, il ne connaît presque rien aux Saintes Écritures. Simplement, lorsqu’il a découvert l’Évangile grâce à Lydie Dattas qui lui a offert la traduction de Jean Grosjean, il a ressenti « un véritable choc ». « Je me suis dit qu’il n’était pas possible qu’une histoire aussi peu banale, quasi romanesque, ne soit pas authentique, explique-t-il.

Ma chrétienté s’est révélée à moi. Avec le temps, j’ai approfondi cette dimension. J’ai une christicité en moi très profonde. En ce temps de la Nativité, celui qui était attendu, le Sauveur, est venu au monde dans le lieu le plus simple possible. Il est pour moi le premier poète, le premier Gitan, le premier de tout. Le crucifié. »

Aujourd’hui, Jean-Marie Kerwich habite chez une amie à Aubervilliers où il peut écrire au calme ou lire les livres que Lydie Dattas lui envoie, sur François d’Assise, Benoît Labre ou saint Augustin. L’été, il rejoint sa caravane à Claye-Souilly en Seine-et-Marne, où M. Godard lui a permis de s’installer en contrepartie de quoi il aide à la moisson. Là-bas, aussi, il écrit. Et il peint. Parfois encore, il va rendre visite à ses cousins dans le midi, partage leur repas et joue avec eux de la guitare. Mais il ne sent plus tout fait chez lui parmi eux. « Je suis un Gitan solitaire », constate-t-il.

Ce Gitan-là, « pas un croyant mais un souffrant », demande tous les jours trois choses à Dieu : de veiller à la santé de son fils, de réussir à jouer de la guitare, d’aider les malheureux. Son fils va bien. Il est violoniste et vit aux Pays-Bas.

Lui joue de la guitare flamenco et a 12 morceaux prêts à être enregistrés, dont un morceau dédié à Jean Grosjean. Son Évangile du Gitan, écrit dans une langue d’une grande beauté, touche l’âme du lecteur, au vif de la vie.
FONTE: La Croix - Paris,France

segunda-feira, janeiro 19, 2009




José Aurélio Rodrigues. Não fosse ele e o terceiro milénio teria arrancado sem um dicionário de Português-Norueguês. Estranhos um ao outro, os dois países, entre os quais oscila a vida deste editor luso nascido em Angola, estão mais próximos. Segue-se uma gramática. E, pelo meio, a Noruega já lê clássicos como Camilo ou Eça de Queiroz

Foi ordenado Comendador por Jorge Sampaio

Do Huambo, então ainda Nova Lisboa, para Oslo, com escala, e escola, em Lisboa, a velha Lisboa. Eis o itinerário resumido da viagem da vida de José Aurélio Rodrigues até há uns anos, quando decidiu fixar meia residência no Porto. A outra meia ficou em Orje, a poucos quilómetros da capital norueguesa. Fazia assim a sua ponte entre dois países que, conhecidos pelo bacalhau, nunca deram efectivamente um bacalhau (aperto de mãos) em matéria linguística. Estando nós no Natal, época dele, não deixa de ser interessante a coincidência de falar do homem que, ao editar o primeiro dicionário de Português-Norueguês no país dos fiordes, abriu uma nova autoestrada a ligar o Norte e o Sul da Europa. ]

"Já têm ido alguns dos nossos alunos trabalhar para lá", revela, antecipando outra valência da empresa que abriu, há 10 anos, com o propósito de editar livros sobre Portugal na Noruega. A Folium Forlag, hoje também representada no Porto, dá cursos de norueguês. 30 horas distribuídas por cinco semanas. E os frutos estão à vista. "Um engenheiro geógrafo, mal acabou o curso, teve um convite do Instituto Cartográfico da Noruega, para onde foi ganhar 4 mil euros. E, numa destas feiras do emprego, um psicólogo clínico e a mulher, enfermeira, decidiram a vida em meia hora. Vão para lá com o filho. Boa parte dos que aprenderam connosco estão empregados", informa.

O mais curioso de tudo isto é o facto de a actividade de José Aurélio, que, após concluir o curso de Línguas e Literaturas Modernas na Faculdade de Letras de Lisboa, foi contratado pela Universidade de Oslo para dar aulas de literatura portuguesa e brasileira, ter sido potenciada por algo que, noutras circunstâncias ou com outra pessoa, talvez levasse ao contrário: o corte pela raiz. "Não me enquadrei bem no sistema de ensino deles, é um meio um bocado corrupto", explica o editor português, vítima de "uma certa máfia, responsável por episódios negativos de apadrinhamento e bloqueio", neste último caso "aos de fora, sobretudo".

Para ele, não é só coincidência o facto de a última aula dada na faculdade ter a data da edição do dicionário: "Já confirmei isso. Havia pessoas que também queriam promover os seus trabalhos. E o único dicionário então existente era de Norueguês-Português, feito pela pessoa que regia lá a cadeira de linguística, um norueguês."

Males que vêm por bem, está visto. Ensaiado, antes, o projecto editorial com a tradução para a língua nórdica do romance Amor de Perdição (Fortapt Kjaerlighet), de Camilo Castelo Branco, e a publicação do roteiro da viagem de Vasco da Gama à Índia, o dicionário (já observando o acordo ortográfico) viraria o milénio e a vida de José Aurélio. Seguiram-se outros dicionários (bilingues, de bolso, edições actualizadas, etc.), livros turísticos e, pelo meio, obras de clássicos da literatura portuguesa, como Eça de Queiroz ou Mário de Sá Carneiro.

"Quando estamos fora, o patriotismo exacerba-se. Eu investiguei muito sobre Portugal mas, em termos literários, não havia lá nada. Fiz eu. Escusado será dizer que não deu dinhei- ro, mas vale sempre a pena", diz.

O dicionário, pelo contrário, "teve boa adesão". Só nele foram quatro anos de trabalho, ao ritmo de 15 horas diárias. Uma tarefa hercúlea após a qual não veio propriamente descanso. "Várias pessoas me perguntaram: 'Então e a gramática de Português?' Tive de fazer o projecto. Apresentei-o ao Ministério da Cultura da Noruega e foi-me atribuído o patrocínio", conta José Aurélio, que já não deverá demorar muito a concluir a obra.

Outra obra, mais ampla, que era a da expansão da língua portuguesa aos países nórdicos, "poderia e deveria ser feita", defende, não fosse "o desinteresse demonstrado pelo Instituto Camões", ao contrário, por exemplo, do Instituto Cervantes, de Espanha, que tem "trabalhado muito" em prol do ensino do castelhano, "hoje a segunda língua estrangeira mais estudada na Noruega". Para lá dos benefícios sociais e culturais, lembre-se que não faltam interesses económicos envolvendo países de expressão portuguesa, nomeadamente Angola e o Brasil.

Um episódio anedótico revelador da distância afectiva entre Portugal e a Noruega deu-se aquando de uma visita presidencial de Jorge Sampaio. O discurso do Príncipe Regente, que ali se apresentou em representação do Rei Harald V, foi traduzido para português pela Folium Forlag. "Ele disse que Portugal era um país mediterrânico, mas a gaffe não ficou registada porque o tradutor o salvou", graceja José Aurélio Rodrigues, então agraciado com a Comenda da Ordem do Mérito, em reconhecimento do seu trabalho de divulgação da língua e da literatura portuguesas na Noruega.

Há quase tudo, ainda, por fazer do ponto de vista da aproximação, e este pequeno mas voluntarioso embaixador, que já indicou o caminho, disponibiliza-se a levar adiante o seu contributo, embora confesse a dificuldade de, sem apoio, manter a motivação. Saibamos pôr os olhos nele - e, já agora, como o próprio alerta, na animadora realidade de a Noruega ter hoje "cerca de 50 mil postos de trabalho" à espera de candidatos.

FONTE: Diário de Notícias - Lisboa - Portugal

"È vietato digiunare in spiaggia"

"È vietato digiunare in spiaggia"
Da oggi e fino a domenica andrà in scena al Teatro Due un ritratto di Danilo Dolci.

Se è vero che molto spesso tocca al mondo dell’arte ridare vita a figure importanti che le istituzioni non hanno saputo - o voluto - mantenere vive “È vietato digiunare in spiaggia”, in scena a Teatro Due da venerdì 16 a domenica 18 gennaio alle ore 21.00, offrirà un ritratto di Danilo Dolci.

Prodotto dal Teatro della Cooperativa di Milano e interpretato da Paolo Triestino, insieme a Alessio Bonaffini, Diego Gueci, Renzo Pagliaroto, Domenico Pugliares, Francesco Vitale con la regia di Franco Però, autore del testo insieme a Renato Sarti, È vietato digiunare in spiaggia offre uno sguardo su questa figura di intellettuale italiano dimenticato, a poco più di dieci anni dalla sua scomparsa.

Animatore di lotte per i diritti, pacifista, maestro, educatore, sociologo, narratore e poeta, Dolci ha segnato con la sua opera la storia italiana recente. Candidato più volte al Nobel per la pace, l’attivista slavo-triestino si dedicò a deboli ed emarginati, subendo processi e condanne.

Il 2 febbraio del 1956 organizzò il primo sciopero “alla rovescia”: con un gruppo di disoccupati decise di ripristinare gratuitamente una strada pubblica di campagna per dimostrare la volontà di lavorare dei “banditi” (così venivano chiamati i disperati che rubavano per fame), al grido di “Nessuno potrà impedirci di lavorare, insieme, disciplinati”. Ma non gli fu permesso di completare l’impresa e gli “scioperanti” furono condannati e arrestati. Dolci fu incarcerato, processato e, nonostante l’arringa in sua difesa fosse pronunciata da Piero Calamandrei - uno dei padri della Costituzione Italiana – condannato. È vietato digiunare in spiaggia tratta proprio del famoso processo che subì per aver organizzato quello sciopero, il testo è stato scritto per lo più sulla base degli atti di quel processo. A proposito del titolo Franco Però racconta che “Il giorno prima dello sciopero alla rovescia oltre mille persone, tra braccianti e pescatori, diedero vita ad un imponente sciopero della fame, vòlto a denunciare il diffuso e tollerato fenomeno della pesca di frodo, che privava i pescatori di ogni mezzo di sussistenza. La criminalità organizzata con le reti a strascico portava via tutto il pesce sottocosta e le autorità, che sapevano di questo, accettavano per il quieto vivere.

I carabinieri sgomberarono gli scioperanti dicendo che non si poteva stare “in tanti in spiaggia” e Dolci simpaticamente rispose “veramente quando andavo con mio padre in spiaggia a Rimini c’era pieno di gente e nessuno mandava via le persone…”. Il carabiniere replicò dicendo “E poi è vietato digiunare in spiaggia!”. Dolci portò in italia le prime battaglie della non-violenza e della resistenza passiva e per questo fu chiamato il Gandhi italiano.

La particolarità dello spettacolo è che nelle varie repliche il ruolo di Piero Calamandrei è stato interpretato da personalità diverse che si sono contraddistinte nella difesa della Costituzione, dei diritti civili e della pace: fra gli altri Fausto Bertinotti, Omero Antonutti, Gianni Barbacetto, Augusto Bianchi, David Bidussa, Gian Carlo Caselli, Gherardo Colombo, Vincenzo Consolo, Daniela Dolci, Nedo Fiano, Don Gallo, Carlo Lucarelli, Dacia Maraini, Moni Ovadia, Leoluca Orlando, Marco Travaglio.

A Parma l’arringa di Calamandrei sarà presentata venerdì 16 gennaio dall’Avvocato Arrigo Allegri presidente dell’associazione Monumenta, sabato 17 dall’ex p.m. di Mani Pulite Gherardo Colombo e domenica 18 dal parroco di Santa Cristina Don Luciano Scaccaglia. Strutturato su dialoghi divertenti e spiritosi lo spettacolo offre con intelligenza esempi di genuina passione civile, evocando dai piccoli fatti quotidiani ai grandi dilemmi, l’Italia lacerata di quei tempi e restituendo luce a un personaggio il cui pensiero “universale” diventa un mezzo per comprendere la realtà di oggi.

FONTE (foto incluída): - Parma,Parma,Italy

Luisa Dacosta lança " Um Olhar Naufragado" na Póvoa de Varzim

Luisa Dacosta lança " Um Olhar Naufragado" na Póvoa de Varzim

Luísa Dacosta está de regresso à Póvoa de Varzim para o lançamento do livro "Um Olhar Naufragado"( Diário II), no dia 19, às 18h00, na Biblioteca Municipal e a apresentação está a cargo de Paula Morão.

A escritora, que no ano passado ofereceu o seu espólio à Câmara Municipal, já apresentou alguns dos seus livros na nossa cidade de tal modo que já foi nomeada “cidadã poveira». Luísa Dacosta nasceu em Vila Real, em 1927. Na Faculdade de Letras de Lisboa terminou o curso de histórico-filosóficas, mas não a licenciatura, e sobre a sua formação a escritora revela:

”As minhas universidades foram as mulheres de Aver-o-Mar, que murcham aos trinta anos, vivem e morrem na resignação de ter filhos e de os perder, na rotina de um trabalho escravo, sem remuneração, espancadas como animais de carga, e que mesmo afeitas, num treino de gerações, às vezes não aguentam e se suicidam (oh! Senhora das Neves! E tu permites!) depois de um parto, quando o mundo recomeça num vagido de criança! Às mulheres de Aver-o-Mar devo a língua, ao rés do coloquial.”

Professora do ensino oficial, Luísa Dacosta começou a sua vida literária em 1955 com o livro de contos "Província".

No domínio da ficção, editou: Vovó Ana, Bisavó Filomena e Eu (1969) e Corpo Recusado (1985). Em 1970 iniciou a escrita de livros para crianças: O Príncipe que guardava Ovelhas (1970), foi distinguido pela Internacional Board on Books for Young People como um “excepcional exemplo de literatura com interesse internacional”.

Na sua actividade de tradutora, traduziu obras de Nathalie Sarraute e Simone de Beauvoir.

Colaborou também em numerosos periódicos, de que podem destacar-se: Colóquio/Letras, O Comércio do Porto, Jornal de Notícias, Raiz e Utopia e Seara Nova.

Interessa-lhe sobretudo o quotidiano e a situação da mulher.

O registo dos seus livros tem um sabor autobiográfico.

Com a obra Na Água do Tempo, ganhou, em 1992, o Prémio Máxima. Em 1994, obteve o Prémio Calouste Gulbenkian da Literatura para Crianças para o melhor texto para crianças do biénio 1992-1994, e em 2001 foi apresentada a sua candidatura ao Prémio Andersen pelo conjunto da sua obra para crianças pela Associação Portuguesa para a Promoção do Livro Infantil e Juvenil.

Também nesse ano lhe foi atribuído , pela Associação de Jornalistas e Homens de Letras do Porto, o Prémio “Uma Vida, Uma Obra”.

Em 2004, foi distinguida com o Prémio para a área do Ensino no âmbito da iniciativa da Cooperativa Árvore comemorativa dos 30 anos do 25 Abril e dos 150 anos da morte de Almeida Garrett. Em 2007, o seu livro O Rapaz que sabia acordar a Primavera, ilustrado por Cristina Valadas, obteve o Prémio Nacional de Ilustração.
Zita Ferreira Braga
FONTE (foto incluída): Jornal Hardmusica - Lisboa,Portugal

Ortega, el crítico y el dariano

Ortega, el crítico y el darianoJorge Eduardo Arellano
END - 07:40 - 17/01/2009

Sólido (no líquido ni gaseoso) y lúcido, fecundo y auténtico crítico es Julio Ortega, quien será reconocido en estos días –como lo merece- por la intelectualidad de Nicaragua. No recuerdo cuándo le conocí personalmente, pero él hizo lo posible por invitarme en la primavera de 1990, siendo yo becario por unos meses en Augsburgo, a su Universidad de Brown, Rhode Island, Nueva York. Como mis tutores germanos me negaron el permiso correspondiente, no pude asistir a esa convocatoria que hoy, con demasiado retraso, le agradezco. Posteriormente, entre junio y julio de 1998, el eximio scholar peruano era uno de los organizadores del XXXII Congreso Internacional de Literatura Iberoamericana celebrado en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Al menos, aún lo recuerdo irreverente ante mi disertación entre el paralelo entre Azul… (1888) y Poemas nicaragüenses (1934), ambos editados en el país austral.

Ya en el siglo XXI estuve con Julio Ortega en Madrid, del 11 al 13 de abril de 2005. Mientras tanto, desde 1992 ya se había consagrado como una de las mayores autoridades latinoamericanas de la crítica literaria. Ese año ingresó a la Biblioteca Ayacucho, en la que hemos colaborado como editores sólo cuatro nicaragüenses: Ernesto Mejía Sánchez y Julio Valle Castillo (en la Poesía de Rubén Darío), Sergio Ramírez (en El Ángel del Espejo y Pensamiento político de Augusto C. Sandino) y yo (en Poesía selecta de Pablo Antonio Cuadra). Pues bien, la obra de Ortega (no el filósofo ni el comandante, no su creación poética ni su ficción ni su teatro), se presenta bajo el título de su libro más representativo: Una poética del cambio, anterior y parcialmente escrito y publicado en inglés; pero ahora aparecía íntegro en español. Otros dos libros suyos completaban el volumen: La contemplación y la fiesta (1968 y 1969), aporte clave a la valoración e interpretación de la narrativa latinoamericana contemporánea; y Relato de la utopía (1973), colección de notas sobre la narrativa cubana de la Revolución, de imprescindible referencia comprehensiva.

Tarea imposible resulta para mí, en pocas palabras, exponer el meollo crítico de Julio Ortega. Por eso recurro a ese “Monstruo Antillano de la Naturaleza” que fue José Lezama Lima, prologuista de Una poética del cambio: “Julio Ortega se ha salvado de las sirtes de la estilística y el estructuralismo. Abomina de la ciencia literaria, de la filología como clave del gusto. Nunca he comprobado en algunas de sus líneas la palabra sintagma. Ucronía y diacronía no son disfraces para usar en cualquier baile. Él ha procurado huir con visible tenacidad de la moda de la crítica…” Pero no tanto.

Ya Eduardo Dobry, en su reseña de Rubén Darío: la lectura mutua (2003) –mitad de ensayo, mitad de antología poemática, como es habitual en la colección “Vidas literarias”, a la que pertenece ese encargo a Ortega- le señaló que toma a la ligera los aparatos teóricos con que se sirve al parafrasear apresuradamente a Lacan (“El deseo es siempre otro deseo…”) o sostener que Darío niega la teoría de Harold Bloom de la ansiedad de la influencia, porque siempre “fue fiel a sus figuras patriarcales (Hugo, Verlaine)”. ¿Y Mallarmé, como lo demuestra en “El soneto de trece versos”, y tantos otros más modernos que incidieron en su creatividad, dónde quedan? La idea de Bloom es más sutil: no atañe a la actitud de veneración o de “parricidio” de un poeta hacia sus maestros, sino a la relación -o, de acuerdo con nuestro doctor de Pittsburg Iván Uriarte, intertextualidad- que se opera dentro de la escritura de ambos, de poema a poema. Es el caso, entre centenares, de “A Margarita Debayle”: un asesinato poético perfecto del martiano (y ahora un hueco monumento a la cursilería) “Los zapatitos de rosa”.

Lezama Lima acota el método orteguesco: “Lee la obra, toma sus notas, revisa anteriores testimonios. Luego establece una suspensión, un retiramiento, como decían los clásicos. Reaparecen las metáforas como encuentros sorpresivos… La mirada comienza a ordenar la escritura”. Con ella, Ortega ha vinculado, por ejemplo, como él afirma, el aleteo del ave fénix de Rayuela con la poesía solar de Octavio Paz; ha deslindado, privilegiándolos, textos rituales y celebratorios, lúdicos y restauradores de lo cotidiano. Julio magnifica la capacidad dialogante y transgresiva, sensorial y abstracta, liberadora y antirrepresiva; una escritura que indaga la percepción marginal y festiva de lo popular. O, como también afirma, “la polifonía cómica y crítica, dramática y paródica.

Lo anterior explica que, en medio del Congreso Internacional “Rubén Darío/Diálogos transatlánticos” -coordinado por él y Juana Martínez, profesora de la Complutense -mi Alma Máter-, con motivo del centenario de Cantos de vida y esperanza, Los cisnes y otros poemas- haya espetado esta convicción (que consideré una boutade): “Es más poeta Agustín Lara que Rubén Darío”.

Entonces Pablo Kraudy y yo preparábamos la edición crítica de esta obra cimera, la cual se publicó al final de ese año y fue presentada en la Jornada dariana del siguiente; pero su circulación fue escasa y sólo tuvo débil recepción en el extranjero.

Anunció Julio en esa convocatoria que Galaxia Gutemberg/Círculo de Lectores, dentro de su prestigiosa serie “Ópera mundi”, le había encargado unas “Obras completas” de nuestro bardo en tres volúmenes, asegurándome solicitar en el futuro inmediato mi colaboración. O se arrepintió de esta promesa, o dejó de estimarla indispensable, o no se lo permitieron; lo cierto es que no dio nunca señales de vida, pese a la entrega personal, no exenta de dedicatoria, que le hice de mi plaquete:

Rubén Darío: Nuevos poemas inéditos (Managua, Museo y Archivo Rubén Darío/Fondo Editorial Cira, 2004).

Si no estoy errado, en 2007 el primer volumen de ese proyecto ya estaba impreso. Un excelente e irreparable ensayo de José Emilio Pacheco (México D. F., 1939). “Entre dos siglos”, figura como prólogo, precedido de una “Introducción general” bastante reparable de Julio que, en principio, comparto. Válida, pero no única ni excluyente, es su concepción del sistema literario de Darío: “Un campo lectural, allí donde los nuevos escritores adquieren su identidad en la lectura. Hilos de lectura, los jóvenes aspiran a una mayoría de edad dialógica“ (p. 17). Sistema que ya había postulado en su libro Rubén Darío (Barcelona, Ediciones Omega, 2003).

Doce acotaciones de su ensayo “Rubén Darío y la mirada mutua”, más una acertada “Selección de textos” (30 poemas) y una básica “Bibliografía” integran ese volumen, en el cual su autor concibe a Darío “como un profeta visionario de la lectura” (p. 17). Desdeñando el biografismo canibalista, opta por enfocar a Rubén desde los diálogos que mantuvo con algunos coetáneos (Miguel de Unamuno, Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez) y las lecturas que le han deparado autores como Pedro Salinas, Juan Larrea, Jorge Guillén (españoles), Jorge Luis Borges, Octavio Paz, Raimundo Lida (latinoamericanos), entre otros. Ortega señala que Darío imparte una “lección de modernidades: es más español en la gesta de una cultura mutua, transatlántica, que muchos de sus colegas peninsulares (p. 51).

Pero, oportunamente, reseñaré a fondo el primer volumen de Galaxia Gutemberg/Círculo de lectores, por lo demás nítidamente impreso, que constituye el último intento valioso y masivo de difundir la poesía de Darío al menos en España. De momento, para concluir, diré que el método crítico más efectivo de Ortega es la conversación que excede el formato informativo de la entrevista con los creadores (iniciado en los años 60 por el uruguayo Emir Rodríguez Monegal) para lograr como producto final “una suerte de biografía literaria sumaria”. A través de este método queda dilucidada la relación del autor y su obra. Aporte clásico de Ortega en esta línea es el volumen Taller de la escritura (2000) que abarca los encuentros con 31 escritores iberoamericanos (un brasileño, tres españoles y veintiséis latinoamericanos, entre ellos sólo dos mujeres: la chilena Diamela Eltit y la puertorriqueña Rosario Ferré).

En fin, como lo hizo ver su coterráneo y colega José Miguel Oviedo en el “Método de la crítica y crítica del método”, estoy seguro de que Julio suscribiría con el mismo entusiasmo creador de Oviedo este axioma actual: “El fanatismo nunca es científico, y el movimiento de las ideas no tiene por qué repetir la barbarie de nuestra vida política o los odios de capilla de nuestros pequeños ambientes intelectuales”.

Palabras Claves: Opinión, Jorge Eduardo Arellano, Ortega, el crítico y el dariano

FONTE (photo incluída): El Nuevo Diario - Nicaragua
Foto: Julio Ortega

sexta-feira, janeiro 16, 2009

A Literatura 2008

9/1/2009 20:05:00

A Literatura 2008
Por Tânia Lima

“Ler é o que me realiza” [Badida]

Em 2008, a literatura que se produziu no imaginário das heranças e memórias culturais privilegiou os que se debruçaram sobre a temática da “literatura menor”. Digo “menor” apenas para fazer lembrar um pouco de Deleuze em seu artigo sobre Kafka. Não muito longe dos holofotes já consagrados, uma lista de nomes amplia o horizonte para se repensar a questão do homem no mundo contemporâneo. O traço fincado no sinal de menos serve para se repensar um mundo que se absurda pelo que há de excessos. Tudo isso somado é diminuto. Pensar o minimalismo cotidiano já é de grande largueza filosófica, mas alguns substratos da Literatura contemporânea é mergulho raso em uma profundidade oca. Nada de novo. Baudelaire por volta de 1857 já anuncia: “O mundo vai acabar”.
O que a literatura de 2008 fez de importante foi dar um toque de leveza ao peso do mundo. O escritor apenas empresta suas cores ao vazio, diria Camus. Em verdade, a literatura é guardiã da esperança, lembramos aqui de um livro fabuloso de 2008 que é O caçador de pipas. Este livro é guardião da esperança no mundo árabe palestino. Um olhar mais atento sobre este livrinho encontrará algo precioso na arte de contar. Nessa obra, só há um luxo: o das relações humanas. “O caçador de Pipas”, de Khaled Hosseini está entre um dos melhores livros de 2008. Um livro que fala de beleza no trato com as misérias humanas e traz o desenho de uma cultura onde soltar pipas era mais do que um simples passatempo, ma um viajar de asas no vento de uma liberdade amarelada. Durante o campeonato de soltar pipas, Hassan é brutalmente violentado por três rapazes. Com a invasão soviética, Amir ao migrar para os Estados Unidos se torna escritor, até que um dia Amir volta a sua terra e se depara com uma realidade revoltante.
Também pelo lado oriental, em 2008, o escritor israelense Amós Oz reaparece com um romance novo cujo título é maravilhoso: “Rimas da vida e da morte”. Esta história é contada de forma mágica por Amós Oz que ao refletir o ato de escrever de um personagem escritor vai costurando imagens repletas de intenções sobre os holofotes do mundo literário. Um livro que traz sérios questionamentos ao mercado editorial, ao que está por trás de um lançamento de um livro. A história “Rimas da vida e da morte” se locomove entre-lugares dos caminhos da imaginação. Se começa dentro de uma lanchonete, o autor aproveita para acentuar o submundo literário, os acordos com as vaidades intelectuais, as noites de autógrafos; termina analisando as relações humanas com a escritura: o que está por trás das críticas literárias, de como se processa a inspiração laboriosa, ou mesmo, o desabafo de escrever e as conseqüências de tudo isso dentro da “persona” de um escritor, de um personagem leitor.
Um outro livro laborioso de 2008 chama-se “A viagem do Elefante, do escritor português José Saramago”, este livro está entre as obras raras deste século. Um livro cuja epigrafe é convidativa ao leitor viajante: “sempre chegamos ao sítio aonde nos esperam”. Se em matéria de ser, não se pode chegar antes, Saramago com seu estilo barroco de contar, usa as palavras como se fossem labirintos ao fazer a travessia do personagem Salomão de Portugal a Áustria. O Salomão de Saramago lembra muito “O Elefante”, poema de Carlos Drummond de Andrade. O Elefante de Drummond é desses famintos de seres e de situações patéticas; o de Saramago anda à procura de sítios históricos, segredos de “mil e uma noites”, episódios não contados em livros, revelados pelo indiano Subhro, um personagem sensível que traduz a linguagem do Elefante como se transcreve uma escritura budista.
Se a literatura é diálogo constante com a diferença, e diálogo cortante com a repetição, a tradução cultural do mundo ainda continua sendo o homem e sua hora. Questões relacionadas às migração e africanidades estiveram em debate por todo o ano de 2008. Do centenário de Machado de Assis à eleição de Barack Obama, nunca se discutiu tanto sobre as cores e cotas afro-descendentes. Não à toa que tivemos, em 2008, no Ceará, a VIII Bienal Internacional do Livro enfocando a temática da mestiçagem. Em Pernambuco, a FLIPORTO [Festa Literária de Porto de Galinhas] rendeu homenagens à África.
Em travessia pela cultura africana, o livro fabuloso de 2008 é sem dúvida “O africano”, do escritor franco- africano J. M. G. Le Clézio. Nesse livro, o autor narra a história em tom informal que muito nos lembra uma saga curta com pequenas palavras em síntese quase embrionária. Um livrinho que amplia o conceito de memória ao confundir o olhar da ficção pela invenção autobiográfica. Uma linguagem escrita à moda de um francês crioulo. Conta o imaginário infante de uma criança assombrada com o horizonte africano em Ogoja. Um livro que fala do olhar pelo que há de sensações. Um olhar corpóreo: olho vivo do espírito. Uma espécie de dobras de falas que se desdobram no “entre-lugar” do corpo da mãe África, das savanas e do mar de capim. Como diz Le Clézio nas entrelinhas do livro: “A África era mais corpo que o rosto. Era a violência das sensações, a violência dos apetites, a violência das estações”. Um livro que recebeu em 2008 o “Prêmio Nobel de Literatura”.
E por falar em África, o livro “Venenos de Deus, remédios do diabo”, do escritor Mia Couto, também consideramos estar entre as melhores safras da literatura de 2008. Venenos de Deus, remédios do diabo é um romance em dezoito capítulos e cada um desses capítulos lembra pequenos contos encadeados à rotina de Moçambique. Uma prosa de “inventança” cheia de variantes dialetais orais com pinceladas de uma escritura com os dois pés atolados na memória africana. A história acontece em Vila Cacimba e tem como personagens centrais o médico Sidônio Rosa, Dona Munda, o mecânico Bartolomeu Sozinho. A trama se passa entre epidemias e a paixão do médico pela desaparecida Deolinda. Entre amores e traições, a história mapeia verdades e mentiras destilando venenos e remédios para curar dores humanas. Em um momento da trama, Bartolomeu, em diálogo com o médico, vem com uma indagação pra lá de existencial: “Cure-me de sonhar, doutor”.
No Brasil, o livro “O filho eterno”, de Cristovão Tezza, é um livro áspero e enxuto, rico de indagações sobre o ambiente familiar e a limitações de uma criança com “síndrome de down”. Um livro em que o narrador confunde o personagem, para revelar o que está por trás das lacunas silenciosas das dores, desenho nomeado de silencio e palavras. Deste livro guardamos esta imagem densa: “Ali está o pai com o filho idiota diante da fonoaudióloga. Quase esquece que também tem uma filha normal – mas crianças normais não precisam de água, que elas vão crescendo como couves. (...). A criança não se concentra muito, diz a fonoaudióloga, e ele se afasta dali quase arrastando o filho, e no corredor sente o olhar agudo dos outros, para o pai que leva aos trancos uma pequena vergonha nas mãos, incapaz de repetir duas ou três palavras numa sentença simples. E, no entanto, a criança abraça-o com uma entrega física quase absoluta, como quem se larga nas mãos da natureza e fecha os olhos”.
Também temos na mesa de cabeceira alguns livros que marcaram o ano de 2008, um deles bastante historiográfico e perspicaz: “Uma escritora na periferia do império: vida e obra de Emília Freitas”, fruto da pesquisa de doutorado de Alcilene Cavalcante [UFMG]. Este livro de Alcilene, publicado pela Editora Mulheres, conta a travessia da escritora Emília Freitas [1855-1908] em Fortaleza, Belém e Pará. Um trabalho biográfico no qual se discorre sobre a vida de uma escritora cearense que se despendeu, entre poemas e ficção, sobre questões envolvendo gênero e violência contra as mulheres e questões abolicionistas. Também, neste final de conversa, ainda dá tempo correr à livraria e dá uma última conferida na estante de Socorro Acioli, trata-se do livro “Vende-se uma família”. O livro de Acioli vem publicado com o selo das edições Demócrito Rocha. Um livro que recebeu no quesito capa o prêmio Jabuti de 2008. Um livro para encher os olhos do imaginário infanto-juvenil, conta a historinha de Álvaro e Benício em diálogo com a questão abolicionista. Uma historinha recheada de emoção que faz a cabeça do leitor virar pelo avesso.
Por fim, resta entrar o ano de 2009, ano do sol, lendo (dentro de alguma rede) o livro “Caderno do Estudante Luz”, de Eduardo Jorge, editado com recursos do Edital de Fotografia da Funcet em 2008. Um livro experimental no trato com a linguagem em estado de luz e sombra. Livro pequeno de silencio e música: partitura de água e sol. “Aula de atenção sobre renegada ruína”, como diz Rui Vasconcelos na contracapa. Um livro que se “anda assim de/ bicicleta, o que mais úmido, eis: as listas da pista de pouso, / algodão até as avessas,/ enquanto segura o que é/ portátil também a casa vazia,/ comigo e duas mudas de trevo,/ na valise, a troca de assunto:/ um livro permanece fechado”.
Tânia Lima, autora do livro “Brenhas um poema”, dentre outros.

FOTO: Casa atelier em Olinda PE da artista Badida
[filha de Moreira Campos]

Ponen en práctica modificaciones en el judo en campeonato nacional de Cuba

Ponen en práctica modificaciones en el judo en campeonato nacional de Cuba

La eliminación de la técnica de koka y otros cambios persiguen que el atleta trabaje más las técnicas de control y busque proyecciones mayores
Por: José Luis López
13 de enero de 2009 00:01:36 GMT

CIENFUEGOS.— Para conservar su status en el programa de los Juegos Olímpicos, la Federación Internacional de Judo (IJF por sus siglas en inglés) ha hecho varias modificaciones al reglamento competitivo que entraron en vigor a partir del primero de enero de 2009.
Y en nuestro país ya se ponen en práctica desde este lunes, en la primera fecha del Campeonato Nacional de Judo, rama masculina, con sede en la sala Guernica, de esta ciudad.
Entre esos cambios destaca la eliminación de la técnica de koka, que se marcaba a un judoca cuando proyectaba a su rival, y este caía en el tatami de glúteo, con la parte posterior de los muslos o los hombros. Así, ahora la koka será una acción más del combate.
Según reveló a JR el árbitro internacional William Rosquet, con 16 años de experiencia y asistencia a Juegos Olímpicos y Campeonatos Mundiales, la IFJ persigue con estas medidas que el atleta trabaje más las técnicas de control, y busque proyecciones mayores, como son las que le tributan yuko, wazzari o el sensacional ippón. Con esto también se prevé reducir el tiempo de combate.
Y como se elimina la koka, entonces desaparece a su vez la técnica de inmovilización válida con esa denominación, y que era marcada entre 10 y 14 segundos. A partir de ahora el primer tiempo que valorará el árbitro para una inmovilidad será de 15-19 segundos (yuko), luego de 20-25 (wazzari) y cerrará con el de 25 segundos para decretar el ippón.
Rosquet, árbitro principal en la disputa por el oro olímpico en Beijing en la división de +100 kilogramos, informó que entre otras modificaciones destaca que el primer shido (amonestación) marcado a un judoca, a partir de ahora será solo preventivo. Un segundo shido se catalogaría como yuko para el rival.
Otro cambio está basado en el trabajo en el borde del área del tatami. Antes no se podía competir en el área de seguridad, que se marca con un color diferente a la de combate. Pues bien, ahora se considera que mientras uno de los dos contendientes haga contacto con esa área de combate, el árbitro no podrá dictaminar el final de la acción (mate).
Rosquet también hizo mención que la IJF solicitó que los árbitros fueran más severos con el llamado «judo negativo», es decir, con las posturas defensivas, la pasividad, los agarres incorrectos y los falsos ataques.
Entre estas acciones impropias, mencionó el agarre del pantalón para ejecutar una técnica, cuando realmente lo que se debe enganchar es la pierna del oponente.
A partir de ahora, habrá que ver cómo se adaptan a las nuevas normativas los atletas y jueces de casa enrolados en el certamen nacional, que al cierre, definía los monarcas de las divisiones de 55, 60, 66 y 73 kilogramos.

FONTE (imagem incluída): Juventud Rebelde - Cuba

Yasmani Píker gana en los 60 kilogramos del Campeonato Nacional de Judo

Yasmani Píker gana en los 60 kilogramos del Campeonato Nacional de Judo

El judoca cubano venció con rúbrica perfecta de cinco éxitos, tres por técnica de ippón y dos por yuko. Hoy se desarrollará el torneo por equipos
Por: José Luis López
14 de enero de 2009 00:24:56 GMT

CIENFUEGOS.— Con rúbrica perfecta de cinco éxitos, tres por técnica de ippón y dos por yuko, el capitalino Yasmani Píker, subcampeón panamericano, se agenció el título de los 60 kilogramos en el Campeonato Nacional de Judo, con sede en la sala Guernika, de esta ciudad.
En ese quinteto de pleitos, a Píker solo le marcaron un yuko, en el duelo semifinal frente al talentoso Gilberto Solar, de 17 años de edad.
—¿Cómo defines el torneo?

—Fue muy fuerte, pues había gran rivalidad en la división. En los cinco combates tuve que basarme en mi velocidad y explosividad sobre el tatami. Pude vencer gracias al buen entrenamiento que sigo diariamente.
—¿Estás conforme con la eliminación de la técnica de koka por parte de la Federación Internacional?

—Ese cambio hace más difícil el combate, pues antes te favorecían con una koka y con esa sola acción se podía ganar la pelea. Ahora hay que prepararse mejor, si a ello le sumas que el primer shido (amonestación) es solo preventivo y no le reporta desventaja al rival. Hay que mejorar mucho más en la preparación y el aval técnico, en pos de conseguir un wazzari o un ippón.
—¿Y sobre las exigencias a los árbitros para que combatan mucho más el llamado «judo negativo»?

—Estoy a favor. En el combate, hay que penalizar la pasividad, los falsos ataques y agarres incorrectos, entre ellos enganchar por el pantalón y no por la pierna, como debe ser. Además, estoy muy contento con otra modificación del reglamento. Ahora ya se puede competir en el borde del área de seguridad siempre que uno de los judocas mantenga contacto con el área de combate.
—¿Podrías describir tu entrenamiento diario?

—Por las mañanas, trabajo la técnica del judo, mientras que por la tarde hay que dedicarse al entrenamiento físico: correr, hacer pesas y otro grupo de ejercicios generales.
—¿Momentos más felices en tu carrera deportiva?

—La medalla de plata que obtuve en los Juegos Panamericanos de Río de Janeiro 2007, y el segundo puesto en la Copa del Mundo de Hamburgo, Alemania 2008, en la cual pude vencer al japonés Tadahiro Nomura, tricampeón olímpico, sin dudas, mi mejor resultado internacional.
Medallistas del primer día:
55 kg: 1. Jesús Márquez (CHA); 2. Leonardo Meriño (GRA); 3. Yohandris Núñez (IJV) y José Miguel Suárez (GRA). 60 kg: 1. Yasmani Píker (CHA); 2. Antonio Betancourt (CHA); 3. Yunier Morell (CMG) y Heiner Domínguez (CHA). 66 kg: 1. Ronald Girones (GTM); 2. Yung Chang (CHA); 3. Janier Peña (LHA) y Carlos Tondike (VCL). 73 kg: 1. Jorge Martínez (CAV); 2. Osmay Cruz (HOL); 3. Yaniet Cruz (CFG) y Rubert Martínez (CHA).
Al cierre, se disputaban las medallas en las divisiones de 81, 90, 100 y +100 kilogramos. Hoy se desarrollará el torneo por equipos, en el cual Ciudad de La Habana aspira a conservar el cetro de la pasada edición.

FONTE (foto incluída): Juventud Rebelde - Cuba

Paulo Wanderley Teixeira é eleito para mais quatro anos à frente da CBJ

Paulo Wanderley Teixeira é eleito para mais quatro anos à frente da CBJ

O atual presidente da Confederação Brasileira de Judô, Paulo Wanderley Teixeira, foi eleito nesta quinta-feira (15) para mais quatro anos à frente da entidade. Em assembléia geral realizada no Rio de Janeiro com a presença de representantes de todas as Federações filiadas, a chapa da situação recebeu 17 votos (Pernambuco, Goiás, Espírito Santo, Tocantins, Piauí, Distrito Federal, Rio Grande do Sul, Rio Grande do Norte, Rio de Janeiro, Mato Grosso do Sul, Bahia, Roraima, Rondônia, Maranhão, Minas Gerais, Santa Catarina e Mato Grosso).

Paulo Wanderley Teixeira foi eleito presidente e terá como vice-presidentes Marcelo França Moreira (1VP) e João Batista Rocha (2VP). Conselho Fiscal Titular: Alarico José Pinha Leitão, Gilberto Cipriano e Paulo Roberto Figueira de Almeida. Suplentes: Cláudio José Ribeiro Lemos, Gastão Antonio de Alvarenga Rosa e Humberto Camargo Brandão Filho.

A chapa da oposição foi encabeçada pelo presidente da Federação Paulista de Judô, Francisco Carvalho Filho.

quinta-feira, janeiro 08, 2009

DESILUSÃO - Maria de Fatima Delfina de Moraes

Maria de Fatima Delfina de Moraes

Entre idas e vindas,
vivemos noites de amor ou de brigas.
Clamo pela liberdade!
Liberta-me do jugo do desejo
que esta paixão lasciva me desperta.
Um dia estamos loucos de paixão,
no outro, somos mágoa e desilusão.
copyright 2009


segunda-feira, janeiro 05, 2009

Garantida no Pan, Danielli Yuri começa a sonhar mais alto

Segunda-feira, 14 de maio de 2007
Garantida no Pan, Danielli Yuri começa a sonhar mais alto

Por Glenda Carqueijo

São Paulo, 14 (AE) - A judoca Danielli Yuri atravessou o mundo atrás do sonho de defender o Brasil na categoria meio-médio nos Jogos Pan-Americanos do Rio. Há quatro anos, deixou os pais e irmãos em Hamamatsu, no Japão, onde viveu por oito anos, para treinar em São Caetano do Sul e, assim, ficar mais perto da seleção brasileira.

Aos 23 anos, a garota conseguiu seu objetivo e vai defender o Brasil nos Jogos no Rio, depois de desbancar na seletiva a veterana Vânia Ishii, dona de um ouro e uma prata na história do Pan. Sua persistência e bom desempenho nas competições que serviram de observação para comissão técnica foram fundamentais para sua convocação.

Mas a ‘ficha’ de Danielli só caiu quando ouviu seu nome na lista do Pan. "Foi a semana mais longa da minha vida. Não dormi direito. Sabia que o nome da Vânia (Ishii) pesava para caramba, ela está na seleção há dez anos. Não vou mentir. Estava desesperançosa. Abria a internet e só via foto da Vânia, textos sobre ela.

Mas no fundo sabia que tinha feito um ótimo trabalho", contou a judoca.Natural de Registro, interior de São Paulo, Danielli foi morar no Japão quando tinha 11 anos. Lá, estudou e treinou judô na escola até os 19. Não tinha experiência em competições internacionais de peso até voltar ao Brasil - o máximo que fez foi disputar torneios internacionais na cidade de Osaka.

"Mas só tinha japonês e alguns coreanos. Assim não vale", lembrou, rindo. Ao ouvir seu nome na lista de convocados para o Pan, Danielli caiu no choro. A primeira atitude que teve foi ligar para os seus pais no Japão. "Eles não poderão vir para o Pan. A passagem é cara. Vão deixar para ir a Pequim. É mais perto do Japão", brincou Danielli, sem, no entanto, perder a confiança. "Olimpíada não é mais um sonho, mas um objetivo.

Pequim virou minha meta."Agora, em sua preparação para o Pan, ela vai intensificar os treinos com lutadoras canhotas, para surpreender sua principal adversária no Rio, a cubana Driulis Gonzales. "Tenho dificuldade em lutar com canhotas. Preciso treinar mais esse lado.

O difícil é que temos pouco material humano. Além disso, quero ganhar força (massa muscular)", avisou Danielli. De volta ao Brasil em 2003, ela não teve tempo hábil de mostrar sua cara e disputar a Olimpíada de Atenas/2004. Adotou a cidade de São Caetano para treinar, onde divide um apartamento com mais seis judocas. Após um dia puxado de treinos, Danielli ainda tem pique para as aulas à noite, na faculdade de Educação Física.